5317

181

Для Россетти было характерно смешение поэзии и реальности, сна и бодрствования, и нельзя сказать точно, искусство ли отражало действительность или реальный мир подгонялся под воображаемый, более значительный и психологически насыщенный для него. Женские образы так называемого россеттиевского типа с решительно выдвинутым вперед подбородком, разительно отличавшиеся от слащавых и скромных викторианских барышень, многократно воспроизводились последователями Россетти, такими как Уильям Хант (1827-1910), Джон Миллес (1829-1896) и некоторыми другими.

Романтические традиции английской живописи были развиты Джоном Констеблом (1776-1837), которого называли «естественным живописцем», до того его картины были пронизаны светом и воздухом. Констебл писал с натуры, предвосхитив тем самым работу на пленэре французских импрессионистов. Наряду с ним певцом английского романтического пейзажа был Уильям Тернер (1775-1851). Он первым вывел в искусстве понимание природы как главного образа. Он писал бурю, метель, ливень, пургу, туман и т.д.; для него в картине главным была игра опаловых, прозрачных красок, хотя в картине всегда содержался намек на реальность

– лодка, гора, замок. Наиболее известна его картина «Буря в пустыне. Переход Ганнибала через Альпы» (1812 г.), в которой использован наиболее любимый Тернером прием - наиболее драматическая часть картины, изображающая разгулявшуюся стихию, вписана в овал. Пурга, хлопья снега свиваются в воронку, затягивая в расщелину гор растерявшихся воинов. Почти все работы художника – «Кораблекрушение» (1805 г.), «Пожар лондонского Парламента» (1835 г.), «Невольничье судно» (1840 г.) и другие написаны легкими, прозрачными быстрыми мазками. Тернер предпочитал светлые краски, очень любил белила и различные оттенки желтого и коричневого цветов, никогда не использовал зеленый и черный цвета.

7.4. Реалистическая живопись ХIХ века

В недрах романтического искусства начала ХIХ века стал формироваться реализм, связанный с прогрессивными общественными

182

настроениями. Впервые этот термин ввел в обиход в середине ХIХ века французский литературный критик Ж. Шанфлери для обозначения искусства, противостоящего романтизму и символизму. Реализм в широком смысле нацелен на отражение реальной жизни. Он является своеобразным эстетическим стержнем художественной культуры, который уже ощущался и в эпоху Возрождения – «ренессансный реализм», и в эпоху Просвещения – «просветительский реализм». Но начиная с 30-х годов ХIХ века реалистическое искусство, стремившееся к точности изображения окружающего мира, невольно стало обличать современную ему буржуазную действительность.

Ключевой фигурой во французском реалистическом искусстве, бесспорно, является Гюстав Курбе (1819-1877). Он первым из европейских художников провозгласил своим методом реализм, указав на его демократическую природу. В центре творчества Курбе уже с первых его крупных работ: «Послеобеденный отдых в Орнане» (1849 г.), «Похороны в Орнане» (1849 г.), «Дробильщики камня» (1850 г.) – оказались не отдельные личности, а народ. Все персонажи его картин были портретно узнаваемы, но суть творчества Курбе состояла в том, что каждая фигура была доведена до типической значимости, а в каждом герое угадывалась судьба целого поколения. Полотно «Похороны в Орнане», без сомнения, принадлежит к числу самых выдающихся работ Курбе, не случайно позднее он назвал картину «Исторической сценой одного погребения».

В центре композиции изображена свежевырытая могила. Вокруг – группа людей, участвующих в похоронах. Главное в картине – отношение людей к происходящему: никто не переживает случившегося, все «присутствуют на церемонии». У открытой могилы в центре стоит бледный подтянутый мужчина. Вытянутое лицо с длинным носом и узкими губами должно выражать соответствующую моменту печаль, и оно ее выражает. Священник, монотонно и бесстрастно читающий подходящие случаю молитвы, кажется механическим истуканом. Могильщик, для которого похороны – повседневная работа, повернул к священнику голову с немым вопросом об окончании молитвы. Единственные, кому не безразлично происходящее, старики, участники Великой Французской

183

революции. Это проявляется не в слезах, не в позах, это видно по их лицам, всецело поглощенным думами о жизненном пути своего товарища. Сражаясь за республику, эти старики знали, ради каких идеалов стоит жить, поэтому смерть не страшна, если жизнь прожита достойно, поэтому художник сознательно сделал акцент на них.

Курбе показал действительность во всем ее убожестве и ограниченности, однако к простым людям он отнесся с глубокой симпатией. Каждый из созданных им образов стал обобщенным типом провинциального мэра, священника, нотариуса, могильщика и т.д. Главным героем его произведения стала правда. Ставя вопрос о функции реалистического искусства, Курбе уподоблял его философскому трактату или манифесту, утверждая, что сущность реализма – это отрицание идеала, что разум должен присутствовать во всем, что касается человека. Отрицание идеала, считал Курбе, приводит к освобождению личности и в конечном счете к демократии. Эти принципы нашли свое воплощение в другой известной его картине – «Ателье» (другое название - «Мастерская художника, или Реальная аллегория, характеризующая семилетний период моей художественной жизни» (1885 г.).

На картине – ателье художника в Париже. Персонажи делятся на три группы: в центре – сам автор, справа – его друзья, слева – враги, символизирующие все то, что художник ненавидел в жизни, среди которых на переднем плане – Наполеон III, во время правления которого была установлена полицейская диктатура и тяжкие поборы, что привело к народному восстанию. Курбе поддерживал Парижскую Коммуну, и после ее поражения вынужден был бежать из Франции. В правой части огромного холста (361 × 598 см.), на котором фигуры изображены практически в натуральную величину, художник изобразил группу людей, которых он чтил: коллекционер Брюйа, социалист Прудон, личные друзья Курбе – Кено и Бюшон. Главное место среди друзей занимает французский писатель и критик Шанфлери, который и познакомил Курбе с эстетикой реализма. Человек, сидящий на столе справа – поэт Бодлер. Фигура обнаженной женщины, стоящей за спиной художника, олицетворяет неприкрытую правду, которой послушна его кисть и которая стремится

184

отразить действительную жизнь своего времени. Противоположные наклоны голов обнаженной и Курбе уравновешивают друг друга. На мольберте большой холст с видом родных мест живописца. Академическое искусство не признавало пейзаж жанром, достойным подлинного художника. Курбе здесь, в этом полотне, фактически объявляет войну академическому искусству.

Значительный вклад в развитие французского реалистического изобразительного искусства внес Оноре Домье (1808-1879), известный график-сатирик. В своих произведениях он обличал ханжество, алчность, духовную пустоту правительства при Луи Филиппе – «Законодательное чрево», «Он нам больше не опасен» (оба – 1834 г.). Домье создал целую серию литографий, посвященных образу Дон Кихота, приветствуя вечную устремленность вперед известного литературного персонажа. После революции 1848 года он пишет новую серию, посвященную противоречию между внешним обликом людей и их сущностью, эту серию он назвал «Судьи и адвокаты», и в ней он поднялся до социальных и политических обобщений.

Реализм ХIХ века всесторонне развил и углубил воспринятую от романтиков критику материального, бездуховного прогресса и буржуазной цивилизации. Его ведущими принципами являлись объективное отображение существенных сторон жизни, воспроизведение типичных характеров в типичных обстоятельствах, жизненная достоверность

1.Назовите отличительные особенности стиля рококо и его ведущих представителей в живописи.

2.Вспомните картину Т. Гейнсборо «Супруги Эндрюс» и определите, какие идеи Просвещения воплощены в ней.

3.Перечислите известных художников романтиков.

4.Почему английские художники называли себя «прерафаэлитами»?

5.Каковы ведущие принципы реализма?

185

ГЛАВА 8. ИСКУССТВО КОНЦА ХIХ – ХХ ВЕКА

8.1. Живопись импрессионизма

В искусстве последней трети ХIХ – начала ХХ века возникло новое направление импрессионизм (от франц. impression – впечатление). Художники этого направления стремились передать свои мимолетные впечатления и наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости.

Важную роль в формировании живописи импрессионизма сыграли художники так называемой барбизонской школы, возникшей в деревне Барбизон близ Фонтенбло. В середине ХIХ века барбизонцы Т. Руссо, Ж. Дюпре, К. Тройон основали национальную школу пейзажной живописи, отказавшись от традиционного классицистического пейзажа Пуссена с обязательными руинами, аллегорическими фигурами, строгим композиционным построением. В основу своего творчества они положили «пейзаж настроения», изображение родной природы и ее постоянно меняющегося настроения. Барбизонцев объединил стиль, состоящий в передаче взаимодействия цвета и света, предмета и пространства, и общий художественный метод, состоящий в зарисовках непосредственно с натуры. Барбизонцем в строгом смысле слова не был Камиль Коро (17961875), но именно его искусство стало связующим звеном между классической традицией и импрессионизмом. В его картинах «Воз сена» (1860-е г.), «Порыв ветра» (1864 г.), «Купание Дианы» (1870-е г.) переданы настроения природы в предрассветные часы, сумерки, при закатах и восходах солнца. Он использовал технику раздельных мазков, что уже можно было считать началом импрессионизма.

Особую роль в формировании импрессионизма сыграло творчество Эдуарда Мане (1823-1882). В большинстве его работ, таких как «Завтрак на траве» (1863 г.), «Олимпия» (1863 г.) отсутствовало действие и даже минимальная завязка сюжета, что отражало типичную для эпохи особенность – сведение сюжета к мотиву. Трудно было определить жанр

187

отказались от четкого рисунка и строгого контура, отчего предметы утратили плотность и материальность.

«Отстраненность» зрительного восприятия привела к подавлению «цвета памяти», т.е. связи цвета с привычными представлениями и ассоциациями, согласно которым небо синее, а трава зеленая и т.д. Впервые в живописи в зависимости от рефлексов стали изображать траву в тени синей краской, а на солнце – золотистой охрой. Импрессионисты практически отказались от черного цвета и, чтобы выразить самые темные места, использовали темно-синюю, у них была также особая приверженность к фиолетовому цвету, т.к. он представляет собой изменчивую комбинацию оранжевого, синего и красного цветов – от бледно-лилового до ярко-красного.

Оптические эффекты и культ зрительного подхода к изобразительному искусству сделали импрессионистов «фанатиками зрения»: им было не важно, что изображать, важно – как.

Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю в 1886 году, исчерпав этим десятилетием историю импрессионизма, после чего каждый пошел собственным путем

Клод Оскар Моне (1840-1926) был не только одним из создателей импрессионизма и крупнейшим мастером живописи, он – признанный теоретик нового направления, сформулировавший его принципы, разработавший программу пленэра и новую живописную технику.

Главное место в живописи Моне занимает пейзаж, именно в изображении природы экспериментирует он с цветом и светом (см. приложение рис. 19). Первыми произведениями, в которых новое понимание пейзажной живописи проявилось достаточно полно, были изображения островка Иль-де-ла Шоссе на Сене, излюбленного места прогулок и купания парижан, прозванного Лягушатником (серия картин так и называется «Лягушатник» 1869 г.). Наблюдая типичную жанровую сценку, Моне сосредоточил внимание не на действии и персонажах, а на игре солнечного света, связавшего воедино воду, воздух, деревья и людей. Сам мотив – пронизанный светом пейзаж, пестрая толпа на террасе ресторана, мелькающие в воде фигурки купающихся и скользящие по ней

188

лодки, блики света и зыбкие отражения на поверхности реки – определил и новые выразительные приемы. Общий взгляд не улавливал детали, а воспринимал всю картину целиком в динамичном богатстве красок, нанесенных на холст отдельными мазками разной величины. При этом очертания предметов теряли свою определенность, а колорит картины приобретал особую свежесть.

Расцвет творчества Моне пришелся на 70-е годы, когда он жил в Аржентее и, устроив мастерскую на лодке, плавал по Сене, останавливаясь там, где вздумается. Здесь им были написаны такие шедевры импрессионистического пейзажа, как «Регата в Аржентее», «Маки», «Парусные лодки». Палитра Моне полностью избавилась от темных тонов, приобретя радость, свежесть и ослепительное богатство света. Озаренные солнцем, овеянные свежим ветром изображения Сены – настоящие поэмы воды и света.

Известная картина «Осенний свет в Аржентее» (1873 г.) не содержит ни рассказа, ни нравоучения, а только отражение в красках зрительных впечатлений и ощущений художника. Расположив вплотную друг к другу контрастирующие холодные и горячие цвета, например, теплые красные и оранжевые оттенки рядом с холодными синими, Моне передал чувство тепла и свежести, столь свойственные погожему осеннему дню. Моне стремился писать так, чтобы зритель, глядя на картину, чувствовал то же, что чувствует художник в момент ее создания. Пушистость облаков передана мягкими округлыми мазками, а тронутая рябью поверхность реки

– короткими поперечными штрихами кисти. Голубая водная гладь «уносит» взгляд по течению. Пышная листва, обрамляющая реку, направляет взгляд зрителя, а голубой цвет, постепенно высветляясь, усиливает впечатление дали. Издали полотно словно светится – оно все пронизано ясным солнечным светом и переливается золотистыми красками осени. В левой части картины розовые и желтые мазки оттенены зелеными. Это одна из первых работ, где Моне использовал всю палитру основных цветов солнечного спектра, что и стало отличительным признаком импрессионизма.

написанных в саду художника в Живерни, неподалеку от Аржантея, где он устроил знаменитый пруд с кувшинками, чтобы можно было в любое время наблюдать водную гладь, отражающую небо, и все изменения света в течение дня.

Стихия света, в котором формы и краски обретали новую жизнь, вторглась и в городские пейзажи художника, как, например, в изумительном «Бульваре Капуцинок» (1873 г.), где брошенные на холст мазки передают и уходящую вдаль перспективу оживленной улицы, и движущийся по ней бесконечный поток экипажей, и веселую праздничную толпу. Густая синеватая тень, отброшенная домом, из окна которого писал пейзаж Моне, заставляет солнечную сторону улицы сиять и излучать тепло.

В80-90-х годах Моне, в погоне за мгновением, писал серии видов одного и того же места – «Стога», «Тополя», фасады руанского собора, лондонский туман. Формы предметов на этих полотнах растворяются в тончайших переливах света.

Многие достижения импрессионистов связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1864-1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья». Он создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов.

Втечение всей жизни Ренуар писал пейзажи, но его истинным призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где с поразительной живостью воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников. Его картины, большей частью написанные на пленэре, отличает особая светозарность и звучность цвета, отчего полотна Ренуара остались памятником самого оптимистического отношения к миру.

Картина «Мулен де ла Галлет» (1876 г.), на которой изображен народный бал в саду монмартрского танцзала, не только шедевр, но во многом программное произведение импрессионизма. Общий взгляд

ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен на поверхности холста. Интересна композиция картины – первый план дан как бы сверху, поэтому сидящие на террасе персонажи не заслоняют танцующих. Подвижность света и цвета в этой картине выражает радость бытия.

Подлинное призвание, сердечная нежность и сверкающее мастерство живописца раскрылись во многочисленных портретах, на которых преобладают дети и молодые девушки. «Обнаженная, освещенная солнцем» (1875-1876 гг.), ««Портрет актрисы Жанны Самари» (1878 г.), «Портрет мадам Шарпантье с детьми» (1878 г.), «Девушка с веером» (1881 г.) и многие другие полны поэтического изящества и душевной ясности.

Портрет Жанны Самари, актрисы театра «Комеди Франсез» стал своеобразным манифестом импрессионистического портрета. Мазки, как бы произвольно положенные на холст, создают формы, тени отливают синевой, глаза актрисы таинственно блестят, завораживая своей глубиной.

Восьмидесятые годы в творчестве Ренуара знаменуют начало нового этапа: в работах этого периода меняется колорит – от голубовато-синих тонов, которые доминировали в его импрессионистических полотнах, Ренуар переходит к красным, золотистым, зеленоватым. В такой манере написаны наиболее известные из его картин – «Танец в Буживале», «У моря», «Зонтики» и «Завтрак гребцов», которую многие исследователи считают итоговым импрессионистическим произведением, т.к. после нее Ренуар обратился к приемам старых мастеров.

Сознавая значение своего замысла, работая над «Завтраком гребцов» (1881 г.) художник на все лето поселился в пригороде Парижа Шату. В картине нет ни сюжетной линии, ни символики: ее герои, искатели удовольствий и любви - те же персонажи «Паломничества на остров Киферу» Ватто, только современные Ренуару. Они сидят в знаменитом, облюбованном веселой молодежью ресторанчике на берегу Сены возле пляжа Ля-Гренуйер.

Многофигурная композиция картины в основе своей очень проста: если провести две диагонали, то можно увидеть, что фигуры и натюрморт